まずはおふたりの出会いと、このプロジェクトがスタートした経緯から教えていただけますか。

木村太一（以下、木村）

「CROSS THE BORDER」という作品の、韓国版での撮影が初めてでしたね。グローバルに活躍しているアーティストを起用したいと考えているなかで、Seihoくんにたどり着きました。

Seiho（以下、S）

その撮影で一気に仲良くなって、その後もコンタクトを取りながら「いつか大きな作品を一緒にやりたいね」と話していたんです。1年前くらいに5LACKとつくったトラックを聴いてもらったら太一くんもすごく気に入ってくれたんですけど、「夏っぽいイメージだから1年寝かせよう」と（笑）。そんなときにリーバイス^®さんからお話をいただいて、この「Wareru feat. 5lack」のMVにトラッカージャケットを取り入れようというアイデアが生まれました。

おふたりから見て、リーバイス^®というブランドはどういうイメージですか。

S

みんな中高生の頃から持っていて、実際に着てきているじゃないですか。こうやって音楽をやるようになってファッションにも関わるようになってくると、リーバイス®がもっている温故知新のようなパブリックイメージって実は違っていて、故き良きものを新しく見せること、つまり新しくつくり変えるのではなく、新しい見せ方にこだわっているんだな、というのは強く感じましたね。

木村

勝手なイメージですけど、巨大すぎるブランドですから、ストーリーを提出したときには、絶対通らないだろうなと思ってました。逆に言うと、絶対通らないストーリーを書いてやろうと。そうしたら通ってしまって、実はびっくりしているんです（笑）。難しい、アブストラクトな要素のある作品をつくるのって、別に難しいことではない。ただ、それを大きなブランドが仕掛けるというのが、スゴイことだと思う。本当に大丈夫？っていまでも思ってます（笑）。
これってヨーロッパでも、あまりないことなんですよ。仕事ではある程度の自由をいただけるけど、挑戦的という意味でここまでやらせてもらったことはなかったですね。「マジかよ？」っていうくらい、すごく嬉しかった。seihoくんと韓国に行ったとき、彼はすごく調子に乗ってたんですけど（笑）、「オレを雇うっていうことは、こういうことだからね」って言っていたのを思い出します」

S

ぼくらの仕事って発注仕事じゃないと思っているから、ぼくを起用するってことは、つまりそういうことですよ、と。それに対してとやかく言われても困ります、と（笑）。

木村

そう言っていたのをはっきりと覚えていて、ストーリーを書くときに、“ぼくを雇うということが、どういうことか”を表現したつもりです。実現までのスピード感も、とても早かったと思いますよ。クリエイティヴな環境は、リーバイス^®のような大きなところが変えていかなければ、小さなところが変えられるはずありませんから

S

あと、それ（木村の提案）をダメって言っちゃったら、お互いが言い訳を始めちゃう。つくり手側も、「アレがうまくいかなかったから」ってなっちゃうし、依頼した側も妥協したってことがはっきりしちゃうんで、全然PEACEじゃないんですよね。やっぱり100％同士がぶつかってないと、なんにも成立しないって思います。

木村

正直に言うと、トラッカージャケットについてはあまり目立たせすぎず、自然な形で使わせてもらっています。その代わり、この案件が通ったときにリーバイス®からのリスペクトを強く感じたし、“ワカる人”が見たときにかっこいいと思ってもらえるものにしたかったので、ファッション的な美意識にはかなり注意を払いましたね。やりすぎず、でもちゃんと見せるということを意識しました。
今回はトラッカージャケットがメインですけど、それ以外にもリーバイス^®からは衣装協力をいただいたおかげで、とてもバランスの取れた映像になったと思っています。リーバイス®のアイテムはプレーンなものが多いので、まったく違和感なく使うことができる。トラッカージャケットがリーバイス^®のヘリテージに沿った、みんながよく知っているベーシックなデザインだからこそ、 “日本の青春”を自然に描くことができたのかもしれません。

映像の舞台は、都会的とかファッショナブルといったファッションのイメージからは程遠い田舎の田園風景です。
これはなぜなのでしょうか？

木村

ぼくはロンドンにもう20年住んでいるんですけど、最近、もし映像をやっていなかったとしたら、自分はどうなっていたんだろうっていう想像をよくするんです。映像をやってなかったら、もっと幸せになっていたのかなぁ...とか。結構本気で思ってるんですよ（笑）。もっと世界旅行できたり、友達と遊びに行けたり。小さな幸せがたくさん感じられたはずなのに、映像というものを好きになってしまったおかげで、常に全力疾走で、呪われている感じすらある（笑）。ぼくにとってこの作品は、もしイギリスに行ってなかったら、こういうことがしたかったという、憧れのようなものを表現しているんです。

自分が味わえなかった、“日本の青春”ですね。

木村

30歳を過ぎてから感じるのは、映画をつくりたいと中学校に上がる前にイギリスに飛び出して行ったのも、自分の家庭環境から逃れたかったという理由が大きいのではないかということ。もしも家庭がもう少ししっかりしていたら、自分は日本にいて文化祭に参加するとか、もう少し一般的な生活を送ることもできたのになって思うんです。そういう憧れのような願望から、この世界ができあがったというか...。
日本人の良くないところって、なにか新しいことを始めようとするとき、みんな外の世界を見ようとするんですよ。別のところから、外国から取り入れようとか。でも意外と新しいものって、常に生活のなかにあったりする。ただ見方を変えればいいだけなんです。普通に自分の身近にあるものを、“面白く”撮ればいいっていうことを、ぼくは常に考えています。だから逆になにか聞いたことあるようなストーリーで、聞いたこことあるような設定を、見せ方を変えてつくってみた感じですかね。

音楽の世界でも、似たようなことはあるのでしょうか。

S

少し勘違いしている日本の音楽レーベルの人って、海外にアピールするために洋楽っぽいものを持っていこうとする。向こうにあるから、それはって（笑）。海外で求められているのは、実はめちゃくちゃドメスティックなものなんですよ。日本は文脈至上主義だから、ドメスティックな文脈そのままに持っていこうとする。
でもそれでは、海外の人には全然伝わらないんです。パッと見たときのインパクトが大きい方が、反応しやすいですから。日本人は文脈で見てしまうので、そこに気づきにくいみたいですね。ぼくは海外行ってプレイすると、むちゃくちゃ日本っぽいねって言われる。けど日本でプレイすると、逆にむちゃくちゃ海外っぽいって言われるんです（笑）。
実際向こうで受けるものってパーソナルなものだから、国とか関係ないんですよね。自分のパーソナルな部分に、しっかり気づけているかってことのほうが大切。日本人は集団意識が強すぎて、自分のパーソナリティに国を重ねてしまいがちなんですよ。

木村

4、5年ほど前、ちょうど「LOST YOUTH」っていうドキュメンタリー作品を撮る前に、すごく悩んでいた時期がありました。自分は外国人みたいな作品を撮るんだっていう意識があるけど、全然評価されなくて...。そのときに当時のマネージャーから、「あなたはイギリス人になろうとしているけど、結局日本人なんだから」って言われたんですよね。すでに10年以上イギリスにいても、まだそういう意識だったのかと気づかされました。だったら自分は、日本で作品が撮ろう。で、それを海外で発表しようと考えたんです
いまの時代はすごくアイデンティティというものが重視されているから、そこらへんの意識が、海外ではしっかり根付いてるんですよ。自分がどこから来たのか、どういう考えなのか、とか。日本人は、そういう意識は弱いですよね。今回の作品も、和とかジャパンではなく、ただ単にぼくがイメージする日本の夏休みという感覚。
現代社会は情報量が多すぎて、常に更新していると昔経験した肌感覚や大切なことを忘れてしまいがちじゃないですか。それをもう一度見つめ直そうよって思いを込めた作品ですね。その上で、ちゃんとseihoくんの楽曲世界を崩さないようにして。とりあえず5LACKとやるからヒップホップ、という安易な感じにはしたくないし、それはseihoくんのカラーでもないから。だったら振り切って、全然違うことやろうよって考えました。

S

ショートフィルムの途中からMVっぽく変化するっていうアイデアも、「いや、トラックはショートフィルムのBGM的扱いでいいでしょ」と自分から言いました（笑）。
いまの時代のマーケティングって、すごく難しい。どれだけナチュラルに、自分たちが作品をつくれているのかっていうことが一番大事。トラッカージャケットをモロに出してしまったら、観てるお客さんは「あ、これはクライアントのために入れたな」とか思って引いてっちゃうんですよ。
彼らは客席にいるんじゃなくて、ぼくらの後ろ、バックステージにいるプロデューサー的立ち位置なんです（笑）。これが最近の問題で...。だから、どれだけクレバーに、面白い作品をつくるのかっていうのがぼくらの至上命題。BGMのほうが純粋に曲として聴いてもらえて、グッと入り込んでくれるなら、そのほうが全然得やと思うんですよ

実際に「GOOGLE JACQUARD^™ トラッカー
ジャケット」を見て、どう感じましたか。

木村

普通に撮影中も見てたんですが、ここまで違和感がないんだな、と。普通のデニムジャケットを着ている感覚なのに、すごい機能が搭載されているという...。こういうシンプルなことをやるのが一番難しくて、おそらくその裏側にはすごく高度なテクノロジーや、開発者さんたちの熱い思いやチャレンジがあるんだと思うんですね。いままであったものをさらに進化させるという意味において、本当にいい例だと思います。“レス・イズ・モア（簡潔なものほど、豊かで美しい）”っていう有名な言葉がありますが、本当にその通りだと感じました」

最後にこのプロジェクトを通じて感じたこと、
気づいたことがあれば、教えてください。

木村

今回、実は俳優さんたちへの演技指導などを通して、ひとつの答えが出たテーマがあるんです。 “アートの意味とは”という、趙ベタなものなんですけど（笑）。ぼくは常々、アートは無価値で、一切の価値がない、ただの自己満足にすぎないと思ってきました。「人の心を豊かにする」などといいますが、それならぼくは農家の方とか、お医者さんのほうがもっと人間を豊かにしていると思う。アートを特別だと思ったことは、これまで一度もなかったんです。

それが今回、テクノロジーと向き合いながらいろいろなことを考えたときに、テクノロジーが人間よりも早く正確にものごとを遂行したり、人間を超える存在になりかけているとしたなら、逆に人間がテクノロジーに勝てるものはなにかと考えたんです。そこで初めて、それがアートなのかもしれないと気がつきました。
アートが面白いのは、不完全さだと思うんです。丸があってそこに不完全性という隙間があり、その隙間があるからこそ観ている人がそこに入りこんで、作品を成立させることができる。この隙間がすごく重要で、もしいまこの場の景色を描きましょうとなったら、機械はきっとパーフェクトに描くと思うんです。でも人間が描くと、正確じゃなかったり歪んだりしてしまう。でも、そんな不完全さがあるからこそ、美しい。

そこで初めて、アートというのは、人間が人間でいていいんだよ、と肯定する唯一の方法なのかもしれない。つまりそれは自分が自分でいていいんだよ、ということでもあるし、ファッションや音楽にも当てはまることだと思うんです。自分が自分を肯定するためには、まず自分を正しく理解しなければいけない。だから、自分を理解してない人に、演技なんてできないよ、と。

そこで彼らに、宿題を出したんです。「友達と喋っている最中に、スマートフォンで自撮りをしなさい。その時の自分の間とか、間違って云ってしまうことなどを理解すれば、それが演技に繋がるはずだよ」と。テクノロジーについて考えることで、人間の存在意義や、アートの重要性についても気付くことができました。自分にとってこの作品は、初めてそんな“答え”を与えてくれた作品なんですよ。ぼくは映像監督のくせに、これまでテクノロジーを否定してきた。だけど、テクノロジーと向き合うことで、自分の考えにさらなる深みをもたらすことができたんです。

S

AIって、みんながいうほど大したことないなってぼくは思ってます。自分の仕事がなくなるとか言うけど、AIがやってくれるなら仕事なんていらんやん（笑）。ぼくは自分で1曲つくるよりも、AIが100曲つくってくれて、そこから1曲自分で選ぶほうがいい。だってぼくが見たいのは、ぼくが見たことのない世界やから。ぼくがつくる世界よりもAIがつくる世界のほうが新しくて面白ければ、そのほうがいいんです。ぼくは一流シェフの料理より、AIがつくるマジわかんない料理のほうが食べてみたい。ローファイな人間がつくったアートよりも、ハイテクな機械がつくったゴミのほうが好きなんですよ（笑）。どんどん技術が発展していったら、そういう面白みも出てきますよね。

木村

Seihoくん、自分変でしょっていうアピール、いらないから (笑)